A dangerous method

★★★☆☆

A dangerous method de David Cronenberg

Durée : 01h39

Sortie le 21 décembre 2011

Hugo Cabret

★☆☆☆☆

Hugo Cabret de Martin Scorcese

Durée : 02h08

Sortie le 14 décembre 2011

Carnage

★★★☆☆

Carnage de Roman Polanski

Durée : 01h20

Sortie le 07 décembre 2011

L'art d'aimer

       Sur l’affiche du film, il y a deux couples enlacés, deux couples au lit, un qui semble se sourire, une femme seule. Derrière eux, des cercles de couleur pastel leur donnent à tous bonne mine. On reconnaît instantanément Julie Depardieu, Frédérique Bel, François Cluzet, Ariane Ascaride, Gaspard Ulliel, Judith Godrèche : la fine fleur du cinéma français, mise en scène et dans des lits par Emmanuel Mouret, c’est alléchant. Le titre s’étale en rouge en bas de l’affiche. L’art d’aimer, on pense à Ovide et ça ne manque pas, le film nous présente de charmantes saynètes sur l’amour et le désir qui rappellent les petits épisodes de comédie enchâssés dans le manuel de séduction du poète latin. Emmanuel Mouret se saisit de la forme utilisée par Ovide mais varie évidemment sur le fond, en mettant en scène des situations résolument contemporaines. Porté par un narrateur omniscient (la voix de Philippe Torreton, parfaite), et guidé par les maximes qui ouvrent chaque saynète en leur donnant un éclairage ironique, sombre ou cocasse, on se laisse facilement emmener dans cette ronde de récits amoureux. Dans de très beaux décors léchés, les histoires de sept couples se croisent et se recroisent au son de morceaux classiques soigneusement choisis. Pour tous, il s’agit du moment où la question de l’infidélité se pose : faut-il y succomber, et si oui, comment ?
       Mouret privilégie les longs plans-séquences et donne ainsi l’impression d’une vraie fluidité entre ses acteurs, le film coule sans accroc malgré les coupures formées par les intertitres. L’art d’aimer tient plutôt du gentil marivaudage que du vrai libertinage, les couples ne font pas de folies et la séduction se joue de manière galante, précieuse et un peu superficielle. C’est un film délicat et assez parisien, loin du vaudeville, devant lequel on rit et on s’interroge. On est au spectacle et c’est, somme toute, très agréable.

L'art d'aimer de Emmanuel Mouret

Durée : 01h25

Sortie le 23 novembre 2011

Les adoptés

★☆☆☆☆

Les adoptés de Mélanie Laurent

Durée : 01h40

Sortie le 23 novembre 2011

Les neiges du Kilimandjaro

     Librement inspiré du poème Les pauvres gens de Victor Hugo, le film de Robert Guédiguian, Les neiges du Kilimandjaro, met plutôt en scène les petites gens, et en particulier ceux qui vivent à Marseille, dans le quartier de l’Estaque. Michel, marié depuis trente ans à Marie-Claire, est ouvrier sur des chantiers navals, mais surtout fervent militant de gauche. Le film s’ouvre sur le tirage au sort qu’il opère, en tant que délégué syndical, sur le port. Sous le regard indifférent des patrons en costume, il doit piocher vingt noms de gars qui se feront virer, parce que c’est la crise. Les convictions de Michel l’ont poussé à laisser son nom dans l’urne, et il se tire lui-même au sort ; le voilà au chômage, ou plutôt en préretraite. Les jours s’écoulent lentement, entre moments passés avec ses petits-enfants, apéros avec sa femme sur leur terrasse surplombant l’Estaque et barbecues avec son beau-frère et ami d’enfance, syndicaliste au même endroit que lui, et qui a gardé son poste. Michel se sent désoeuvré et n’a de cesse de vouloir faire le bilan de cette vie presque uniquement empreinte de Marie-Claire et de leurs luttes communes. À l’occasion de leurs trente ans de mariage, leurs deux enfants ainsi que leurs amis leur offrent un voyage au Kenya. Quelques jours plus tard, alors qu’ils dînaient avec leurs amis proches, ils sont violemment agressés par deux hommes armés qui les dépouillent de tout l'argent nécessaire au voyage et de leurs économies. Michel reconnaît son agresseur dans la personne d’un jeune homme d’une vingtaine d’année qui travaillait sur le chantier et qui faisait partie des vingt licenciés. Interpellé par la police, celui-ci risque au minimum deux ans de prison. Or, Michel et Marie-Claire découvrent qu’il est le seul responsable, en tant que grand-frère, de deux jeunes enfants. Cet événement fait vasciller toute une vie de certitudes.

  Jean-Pierre Darroussin, interprète remarquable du personnage de Michel, joue avec justesse et tendresse cet homme qui n’a jamais fait de mal à quiconque et qui se retrouve, à plus de cinquante ans, pris pour la première fois dans les affres de la conscience. À ses côtés, Ariane Ascaride, magnifique, campe une femme croyante malgré tout, une croyante en l’humanité. La morale, la politique, le sens de la vie, tout s’entremêle dans le film de Guédiguian, construit comme une fable moderne. Faisant fi du réalisme, il met en scène la classe ouvrière à la papa face, à la fois, à une nouvelle pauvreté sans conscience de classe, et aux trentenaires d’aujourd’hui, incarnés par les enfants de Michel et Marie-Claire (Anaïs Demoustier, Adrien Jolivet), qui, malgré une éducation gauchiste et une enfance prolétaire, ne savent pas, ou plus, être bons. Le film de Guédiguian est un film sur la bonté, sur la bienveillance, sur la gentillesse ; il emprunte au poème de Victor Hugo sa chute admirable, et, loin de nous faire un blanc manteau où l’on pourrait dormir, comme dans la chanson, Les neiges du Kilimandjaro nous réveillent et nous secouent doucement. 

Les neiges du Kilimandjaro de Robert Guédiguian

Durée : 01h47

Sortie le 16 novembre 2011

Intouchables

★★☆☆☆

Intouchables de Eric Toledano et Olivier Nakache

Durée : 01h52

Sortie le 02 novembre 2011

Il était une fois en Anatolie

★★★★☆

Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan

Durée : 02h37

Sortie le 02 novembre 2011

L'exercice de l'État

★☆☆☆☆

L'exercice de l'État de Pierre Shoeller

Durée : 01h52

Sortie le 26 octobre 2011

Les marches du pouvoir

     Six ans après l’excellent Good night and good luck, George Clooney repasse derrière la caméra pour nous présenter à nouveau un film politique adapté d’une pièce de théâtre de Beau Willimon. Le titre original du film, The Ides of March, donne le la en faisant référence à l’assassinat de Jules César pendant les Ides de Mars en 44 avant Jésus-Christ. Le film nous présente en effet des puissants contemporains sur le devant d’une scène politique dans les coulisses de laquelle se joue une véritable tragédie. Stephen Meyers, joué par Ryan Gosling, est un jeune conseiller surdoué au service du sénateur démocrate Mike Morris, incarné par George Clooney. À quelques mois des élections présidentielles, la campagne des primaires démocrates bat son plein. Stephen travaille d’arrache-pied pour soutenir Morris qu’il considère sincèrement comme étant le meilleur des deux candidats. Pourtant, il va se heurter malgré lui à la noirceur du monde politique, avec tout ce qu’il peut contenir de manipulations, de coups bas, et de désillusions.

     On peut regretter quelques instants le regard peut-être un peu trop cynique que George Clooney porte sur la politique américaine, lui qui est pourtant fervent démocrate dans la vraie vie, ainsi que la parabole sur le pouvoir et l’ambition, gentiment acerbe. Mais on comprend vite que ce que le film a de plus passionnant se joue dans la relation entre le personnage joué par Gosling et celui joué par Clooney. Le sénateur Morris, pourtant sur toutes les affiches, les bus de campagne, les pancartes plantées dans les jardins, n’est jamais placé au centre du récit. Il évolue dans l’ombre, tandis que le jeune conseiller en communication, travaillant pour sa part en coulisse, est exposé en pleine lumière. Il semblerait que Clooney ait décidé, en adoptant cette posture dans son dernier film, de passer le flambeau à Ryan Gosling, star montante de Hollywood.

     Si Les marches du pouvoir est un véritable thriller, avec tous les ingrédients du genre assaissonés à la perfection, il n’en reste pas moins que c’est un film un peu lisse, que l’on a presque l’impression d’avoir déjà vu. Ryan Gosling campe honnêtement le jeune conseiller aussi doué qu’idéaliste, George Clooney est très bon en puissant avançant dans l’ombre, les seconds rôles sont exemplaires (très bonne Marisa Tomei en journaliste véreuse et excellent Phillip Seymour Hoffman en directeur de campagne loyal et un peu désabusé), mais l’intrigue, pourtant bien ficelée, donne l’impression d’un énième film sur la faiblesse des dirigeants. Peut-être est-ce parce qu’il colle trop à l’actualité, entre campagne des primaires et scandale sexuel ?

     Malgré tout, Les marches du pouvoir est un film mordant brillament construit et exécuté qui s’ouvre et se ferme en miroir par un plan serré sur le visage de Ryan Gosling. Entre ces deux plans qui figent deux expressions très différentes et sans équivoque, il ne s’est déroulé qu’une heure et trente-cinq minutes. Preuve, s’il en fallait encore, que George Clooney a réussi un film précis, nerveux, habile et surtout incisif. La vraie classe américaine. 

Les marches du pouvoir de George Clooney

Durée : 01h35

Sortie le 26 octobre 2011

Polisse

     Ce film est basé sur des affaires traitées par la Brigade de Protection des Mineurs de Paris. Dès la bande-annonce, le ton était donné. On n’est pas là pour rigoler, dans Polisse tout sera vrai. La vérité, c’est le cheval de bataille de Maïwenn. Elle se penchait déjà dessus dans Pardonnez-moi, son premier film, où une jeune femme enceinte cherche la vérité sur sa famille, puis dans Le bal des actrices où elle s’interrogeait sur le véritable visage des femmes qui sont aussi actrices. Dans Polisse, elle entreprend donc de faire un film de fiction sur des histoires vraies, en racontant le quotidien des policiers de la BPM, à leur travail mais aussi chez eux. On suit donc une dizaine de flics, guidés par Fred, le personnage joué par Joey Starr. Maïwenn, elle, se met en scène dans le personnage de Mélissa, photographe bobo mandatée par le ministère de l’intérieur pour faire un livre sur la brigade. D’abord narquois puis agressif envers Mélissa dont il ne supporte pas le regard sur son travail, Fred finira par tomber amoureux de la photographe. Et quand il lui demande pourquoi elle porte ces lunettes et ce chignon un peu vieillots, Maïwenn répond « j’avais peur qu’on ne me prenne pas au sérieux ». 
     Et en effet, difficile de la prendre, elle, au sérieux, de prendre Polisse au sérieux. Entre l’orthographe du titre (elle voulait l’écrire Police et déclare en interview "Oh je m'en fous ! Pialat il m'emmerde ! Il n'a rien inventé"*, mais son producteur n’a pas voulu. Dommage.), le film qui s’ouvre maladroitement au son du générique de L’Île aux enfants,  le montage de la première partie qui se veut dialectique mais qui n’est que lourdaud (une scène d’un flic au travail est systématiquement suivie d’une scène de ce même flic chez lui, pour bien faire comprendre à quel point ce boulot de dingue fait exploser, peu ou prou, tous les couples et ne permet aucune vie personnelle), on a l’impression d’assister à des épisodes améliorés d’une série télé collés bout à bout.
     C’est qu’à force de chercher à faire de ses acteurs des personnages criants de vérité, on ne s’entend plus penser. Les acteurs hurlent sans discontinuer, et au royaume de Polisse, l’obscène est roi et la vulgarité reine. La brigade est constituée d’un panel de la population si représentatif que les instituts de sondage ne le bouderaient pas. La brochette d’acteurs dont s’entoure Maïwenn, du reste tous excellents, permet de nous présenter l’intello incompris, la beurette au grand coeur, la frigide anorexique, la divorcée romantique, la lesbienne bonne copine, etc., et de nous présenter un second catalogue, celui des drames quotidiens et de la violence ordinaire dont l’accumulation donne le tournis tant aucune situation n’est laissée de côté. Jouer elle-même le personnage de la photographe est légèrement grossier, même si l’on comprend bien que Maïwenn a adopté cette posture pour montrer qu’en tant que cinéaste, elle s’est interrogée sur la juste distance à produire entre les faits et l’enregistrement du réel.
     Mais la bonne distance n’est pas trouvée, même si certaines scènes sont réussies, même si on sent l’énergie un peu hystérique qu’il existait entre les acteurs, même si certains dialogues sont percutants. La scène finale, composée d’un montage parallèle entre deux séquences filmées au ralenti (celle d’un suicide et donc d’une chute, et celle d’un saut et donc d’une résilience) est tellement lourde de symbolique qu’elle en devient risible.

* Interview de Maïwenn parue dans l’Express le 19/10

Polisse de Maïwenn

Durée : 02h07

Sortie le 19 octobre 2011

Un monstre à Paris

     Dans le Paris de 1910, il y a la Seine qui déborde et la Tour Eiffel qui a les pieds dans l’eau, il y a aussi un jeune homme timide, Émile, et son ami fanfaron, Raoul, qui se retrouvent par hasard dans le grand laboratoire du jardin des Plantes. En manipulant des fioles, ils créent une puce géante et mélomane. Le préfet de police profite de la présence de ce monstre dans la ville pour changer les idées des Parisiens et éviter qu’ils ne pensent trop à la crue du fleuve. Il espère pouvoir se faire élire maire de Paris s’il parvient à capturer la bête. Ce qu’il ignore, c’est que le monstre a été pris sous l’aile de Lucille, la jolie chanteuse du célèbre cabaret de Montmartre, L’Oiseau Rare. Lucille, d’abord effrayée par l’apparence puis séduite par la voix de la créature, lui donne un prénom, Francoeur, l’aide à se travestir pour ne plus effrayer les gens et l’intègre même dans son numéro de chant.

  Dans les très beaux et délicats dessins qui forment le décor du film, on assiste à une chasse au monstre qui nous emmène de Montmartre à la Tour Eiffel, en passant par le Pont des Arts et le jardin des Plantes. Sous la nuit, sous la pluie, Paris est belle, et le charme désuet de la ville au début du siècle opère. Les premières automobiles, les premiers cinémas, l’ambiance du cabaret, la cour gentiment doucereuse que fait le préfet à la belle Lucille, tout est dessiné justement et apporte au film un petit supplément d’âme. Les dessins animés mettent souvent en scène des bêtes personnifiées et Un monstre à Paris ne déroge pas à la règle mais du côté de l’intrigue, il innove en proposant un récit entre Jules Verne et Mary Shelley, plein de péripéties et de rebondissements qui s’enchainent sans un seul temps mort. Ce rythme soutenu n’empêche cependant pas au film de composer des personnages secondaires bien construits et de laisser ça et là des clins d’oeil à de belles références (King Kong, Le Fantôme de l’opéra) qui feront sourire les plus grands.

  Porté par les voix de Gad Elmaleh, François Cluzet, Ludivine Sagnier, mais surtout celles de Vanessa Paradis et de Mathieu Chédid, le film propose une bande-orginale de toute beauté et un morceau phare, évidemment intitulé La seine. Un monstre à Paris est un joli film d’animation sur l’acceptation de la différence, sur l’amitié et sur la solidarité. Autant de raisons, à l’heure actuelle, pour le montrer aux enfants qui, entre 6 et 12 ans, l’adoreront certainement.

Un monstre à Paris de Éric Bergeron
Durée : 01h22
Sortie le 12 octobre 2011

Le Skylab

          Juillet 1979, Albertine a 11 ans, des binocles rondes et rouges, des joues rondes et rouges, des longs cheveux qui semblent ne jamais avoir été démélés et une casquette en velours par-dessus tout ça. Elle vient d’arriver à Saint-Malo avec ses parents, artistes de rue parisiens, pour fêter l’anniversaire de sa grand-mère avec le reste de sa très grande famille. Albertine est née en 68 et a manifestement grandi dans l’idée que les enfants comprennent tout, si jamais on prend la peine de leur expliquer les choses. Ainsi, c’est elle qui renvoie dans les cordes le monsieur du train qui l’embête en demandant à voix haute si c’est bien les hommes comme lui qu’on appelle des satyres, c’est elle qui découvre que son vieil oncle Hubert n’est pas seulement un peu fatigué mais plutôt au bord du suicide, et c’est elle qui explique aimablement à sa cousine du même âge que peut-être leur fin à tous est proche puisque le Skylab, satellite américain expérimental, risque de s’écraser sur la Bretagne dans les heures qui viennnent.
      On suit donc l’organisation puis la fête d’anniversaire de la grand-mère par le biais des yeux de Titine et le spectateur est vite emmené dans un tourbillon de présentations des différentes branches de la famille. On est un peu perdu mais on reconnaît vite la famille française telle qu’on l’a tous un peu expérimenté : il y a là l’oncle un peu violent qui ne s’est pas remis de la guerre d’Algérie, la tante qui bégaie, celle avec qui ça ne rigole pas et qui balance des claques à la moindre occasion, cette autre tante institutrice un peu hippie, le cousin du même âge avec qui on joue au papa et à la maman, la petite cousine facétieuse, la mémé fragile qui n’entend plus rien et la mamie en pleine forme qui emmerde tout le monde. Tous sont incarnés par des membres de la bonne vieille famille du cinéma français, Bernadette Lafont en tête, mais aussi Emmanuelle Riva, Eric Elmosnino, Noémie Lvosvsly, Denis Ménochet, Valérie Bonneton. On se surprend à aimer cette comédie un peu popu, qui nous rappelle non seulement les maillots de bain en éponge mais aussi les surboums où l’espoir d’embrasser le DJ nous obnubile toute la soirée, les dîners où on finit par parler politique et où quelques verres de vin suffisent aux giscardiens et aux mitterandistes pour casser la vaisselle et se menacer du poing, les nuits sous la tente à raconter des histoires qui font peur.
      Pourtant, le film ne se complaît pas dans le cliché des films de famille un peu minaudiers et gniangnian et ne tombe pas non plus du côté glauque des grands raout familiaux filmés façon lavage de linge sale en famille comme Festen de Vinterberg. Il y a de l’invention dans le film de Julie Delpy, qui apparaît d’ailleurs dans le choix du titre : un nom énigmatique qui nous parle d’un temps que les moins de trente ans ne peuvent pas connaître pour évoquer une jolie et chaleureuse chronique familiale. Le Skylab est un film qui a le goût des bonbons soucoupes (volantes) de notre enfance, un peu fade à l’extérieur mais avec de la poudre acide à l’intérieur.

Le Skylab de Julie Delpy

Durée : 01h53

Sortie le 5 octobre 2011

Et maintenant on va où ?

     Dans un village de montagne d’un pays que le film ne nommera jamais, mais qu’on devine être le Liban, les habitants vivent en bonne intelligence. Chrétiens et musulmans se retrouvent au café tenu par la belle Amal où les discutions vont bon train. Pourtant le village est encerclé par les mines et personne n'oublie la guerre civile qui a fait des morts dans chaque famille. Les femmes, qui forment une petite société d’amies solidaires, font tout ce qui est en leur pouvoir pour que les hommes ne puissent rien apprendre des combats qui se tiennent à quelques kilomètres de là. Elles savent qu’au moindre incident, ils seront prêts à déterrer à nouveau la hache de la guerre intestine et à étriper leur voisin de confession différente. Alors, quand les esprits s’échauffent à nouveau, elles n’hésitent pas à saboter la seule télé du village, à inviter toute une troupe de danseuses ukrainiennes pour distraire ces messieurs, et à inventer d’autres ruses plus drôles les unes que les autres, dont une qui évoque la séquence du cake d’amour de Peau d’âne de Jacques Demy. Un cake d’amour au pays du hashish. 
      Nadine Labaki propose, avec ce deuxième long métrage, un conte burlesque et mordant où la femme se dévoile comme l’avenir de l’homme. Elle utilise toute la palette des genres cinématographiques, en emmenant son film du drame à la comédie pure en passant par la comédie musicale avec quelques morceaux chantés composés par son mari, Khaled Mouzanar, qui entrainent le film de manière jubilatoire. Les ruptures de ton sont parfois un peu brusques et on peut regretter les images un brin trop polies et soignées qui dénaturent légèrement le propos du film. Cependant, les personnages, joués par des villageois non professionnels, sont attachants et l’intrigue offre quelques scènes cocasses ou franchement audacieuses.
      La réalisatrice de Caramel transforme l’essai après son premier métrage, et livre avec Et maintenant on va où ? un joli film dont on ressort avec des images gravées dans la tête, comme celle du prêtre et de l’imam du village travaillant ensemble pour la paix commune, ou comme celle de la magnifique scène d’ouverture. Le film débute en effet par un plan fixe sur un cortège de femmes qui avancent doucement dans la lumière du soir. Toutes de noir vêtues, elles transforment peu à peu la marche funèbre en une chorégraphie de ballet contemporain saisissante de beauté. Elles finissent par se séparer au milieu du cimetière, pour pleurer leurs morts, les unes du côté des croix et les autres du côté des croissants.

Et maintenant on va où ? de Nadine Labaki

Durée : 01h50

Sortie le 14 septembre 2011

La guerre est déclarée

La guerre est déclarée de Valérie Donzelli

Durée : 01h40

Sortie le 31 août 2011